La era televisiva de la animación estadounidense (Television Age of American animation en inglés) fue un período de la animación estadounidense que empezó a desarrollarse a partir de 1959 y que surgió desde principios de los años 1960, con la competencia en la animación televisiva y el éxito de las series animadas de los Saturday-morning cartoons, hasta mediados de los años 1980. Esta época es generalmente referenciada como un período oscuro para la animación estadounidense, pues, el estado de la animación cambió dramáticamente en las tres décadas que comenzaban con la proliferación de la televisión de la posguerra. Mientras los estudios renunciaban a los cortometrajes animados teatrales de gran presupuesto para el cine, los nuevos estudios de animación televisiva de los años 60 prosperarían basándose en la economía y el volumen de su producción.
A finales de la década de los años 1950 y principios de los años 1960, la percepción de las caricaturas como entretenimiento infantil estaba arraigada en la conciencia pública (percepción similar a los dibujos animados estadounidenses en la actualidad). La animación comenzó a desaparecer de los cines, así como terminaba la era dorada de Hollywood y la era dorada de la televisión. Mientras que Disney siguió produciendo animaciones después de perder a su fundador, MGM y Warner Bros. cerraron sus estudios, externalizaron su animación y la abandonaron por completo para finales de la década de los años 60. La mayoría de las animaciones estadounidenses llegaron a estar dominadas por la animación limitada para televisión (técnica equivalente a la animación Flash en la actualidad) y dirigidas principalmente a los niños. Sin embargo, hubo una serie de intentos de desafiar esta percepción durante los últimos años de la década de los 60 y principios de la década de los años 1970 con ambiciosos (y a menudo polémicos) proyectos de animación para adultos que definitivamente no eran para niños. Este último movimiento permanecería en proceso, especialmente con los dibujos animados de Ralph Bakshi, desarrollándose notablemente hasta la actualidad. [1]
Uno de los problemas para producir animaciones para televisión fue el proceso de animación extremadamente intensivo en mano de obra. Mientras que los cortometrajes animados teatrales se producían previamente en ciclos de seis meses o más, las nuevas series animadas para televisión en red necesitaban una temporada de 10-20 episodios de media hora cada año. Esto condujo a una serie de técnicas de acceso directo para acelerar el proceso de producción, y las técnicas de animación limitada se aplicaron para producir una gran cantidad de dibujos animados de televisión de bajo presupuesto y producción rápida.
El estudio Jay Ward Productions, productor de The Rocky and Bullwinkle Show, usó la animación limitada en su serie cada vez menos sofisticada, pero fue compensada con su sátira de la Guerra Fría y la cultura popular, y su humor fuera de ritmo. Al igual que el anterior Crusader Rabbit, eran seriales de varias partes. El estudio Ward también produjo George of the Jungle, Super Chicken y Tom Slick. Más tarde produjo una serie de comerciales de televisión para los cereales de Quaker Oats Company "Cap'n Crunch" y "Quisp and Quake". Otra compañía que utilizó los mismos recursos de animación que Jay Ward fue Total Television Productions, famosa por la serie animada Underdog (que competiría con otras series animadas como Batfink y Roger Ramjet). Las producciones animadas de Total Television y Jay Ward a menudo se mezclaron y transmitieron juntas en sindicación, lo que llevó a que los shows de las dos compañías a veces se confundan entre sí. [2]
Hanna-Barbera era conocida por usar tropos comunes en su series, además de crear la primera serie animada de larga duración con Los Picapiedra en 1960; creando una versión futurista con Los Supersónicos en 1962. Sus series originales desde 1957 hasta mediados de la década de los años 60 presentaban animales antropomórficos (que a su vez se inspiraban en una celebridad conocida del cine o la televisión) interactuando con los humanos de su entorno. Sin embargo, esta característica que hacía las series de Hanna-Barbera tan distintas, además de seguir el argumento de los cortos animados teatrales con slapstick, empezaría a desaparecer tras centrarse en los Saturday-morning cartoons, especialmente, tras el estreno de Jonny Quest en 1964 y el inmenso éxito de Scooby-Doo, Where Are You! que se estrenó en CBS en 1969. La próxima década de la producción animada de Hanna-Barbera seguiría la fórmula de estos espectáculos: un grupo de adolescentes resolviendo misterios o luchando contra el crimen, generalmente con la ayuda de un personaje distintivo a los demás. Las muchas encarnaciones de Scooby-Doo funcionaron ininterrumpidamente en CBS y luego ABC durante 17 temporadas. Durante finales de los años 70 y principios de los 80, Hanna-Barbera recurrió a las adaptaciones de las comedias principales. No fue sino hasta el estreno de Los Pitufos en 1981 que Hanna-Barbera nuevamente tuvo una producción exitosa; esto, a su vez, condujo a series derivadas (Los Snorkels o Paw Paws). [3]
Uno de los estudios más infames de animación limitada fue Cambria Productions, que inventó y patentó un proceso conocido como Syncro-Vox, implementándolo desde 1959. Mientras que el proceso resultó en un producto extremadamente económico, rápido y barato (por lo que es ideal para televisión), tenía un defecto fatal que impedía que se tomara en serio: el proceso implicaba insertar los labios en movimiento del actor de la voz sobre un marco fijo de la boca de un personaje. El resultado fue que las caricaturas de Cambria (Clutch Cargo, Space Angel y Captain Fathom) no contenían casi ninguna animación, y efectivamente eran imágenes (aunque bien dibujadas) con palabras. Cambria cambió a un proceso de animación limitada más convencional con The New Three Stooges en 1965, pero cerró poco después. [4]
Filmation, encabezada por Lou Scheimer y Norm Prescott, fue otro estudio de animación de televisión que surgió a principios de la década de los años 60. Filmation fue el más famoso por su adquisición de licencias para producir series animadas basadas en otros medios; fue una de las pocas compañías que mantuvo toda su animación dentro de los Estados Unidos y no utilizó la estética de animación limitada de estudios anteriores como Hanna-Barbera o UPA; en cambio, las producciones de Filmation dependían del uso intensivo del material de archivo, rotoscopia, emisiones de voz limitadas (Scheimer mismo proporcionó muchas voces) y un saldo de series animadas con bajo presupuesto, y con series de acción real, como The Ghost Busters y Uncle Croc's Block, manteniéndose financieramente solvente. Después de una cadena de éxitos que duró hasta bien entrada la década de los años 80, Filmation cerró en 1989. [5]
Por otra parte, Marvel Comics y DC Comics popularizaron las series animadas de superhéroes las cuales, prácticamente, parecían viñetas de cómic con apenas movimiento. Marvel contrató al estudio de animación de Grantray-Lawrence Animation y Krantz Films con las que produjo The Marvel Super Heroes y el famoso Spider-Man de 1967. Desde entonces, varios estudios de animación televisiva, particularmente Hanna-Barbera, DePatie-Freleng Enterprises y Filmation, se unirían a Marvel y DC para realizar series animadas de superhéroes como: Súper amigos, Los 4 Fantásticos o el Fantasma del Espacio. De hecho, Marvel empezaría a tener su propio estudio de animación en 1981, realizando series animadas como: Spider-Man and His Amazing Friends, Dungeons & Dragons o Muppet Babies. [6] [7]
El estudio de Disney se estremeció cuando Walt Disney murió de cáncer de pulmón el 15 de diciembre de 1966. Mientras el estudio intentaba ser fiel a su visión (una frase común de la época era "¿Qué haría Walt?"), el nivel de la popularidad y la aclamación que el estudio recibió en años anteriores lo eludió en la década de los años 70. Los parques temáticos Disneylandia y Walt Disney World (este último abrió en 1971) terminaron contribuyendo más al resultado final que a la división cinematográfica. Además, muchos animadores veteranos se jubilaron o fallecieron, por lo que el estudio tuvo que encontrar formas de reemplazarlos. En 1973, Eric Larson comenzó un programa de capacitación para nuevos animadores.
La oferta de animación del estudio después de Walt consistió en los largometrajes: The Jungle Book (1967), The Aristocats (1970), Robin Hood (1973), The Rescuers (1977), The Fox and the Hound (1981) y The Black Cauldron (1985); el cortometraje It's Tough to Be a Bird (1969); los cortometrajes recopilados en The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977); The Small One (1978); Winnie the Pooh and a Day for Eeyore (1983); Mickey's Christmas Carol (1983); y los híbridos de acción en vivo y animación Bedknobs and Broomsticks (1971) y Pete's Dragon (1977). Algunas de las películas obtuvieron críticas mixtas de los críticos; Robin Hood, en particular, fue ampliamente criticado por la reutilización de la animación de películas anteriores, pero esto se hizo porque la película se había retrasado. Aun así, todas estas películas tuvieron éxito y muchas de ellas recibieron nominaciones al Premio de la Academia (con dos triunfos, uno para el corto It's Tough to Be a Bird y otro para los efectos especiales de Bedknobs and Broomsticks). [8]
El golpe más devastador desde la muerte de Walt Disney ocurrió en septiembre de 1979, cuando el animador Don Bluth lideró una retirada del estudio y 11 de sus seguidores (una gran parte del departamento de animación del estudio en ese momento), incluyendo Gary Goldman y John Pomeroy. Hartos del statu quo en Disney, él y sus acólitos salieron para fundar su propio estudio de animación, que produjo el cortometraje Banjo the Woodpile Cat (1979) y el largometraje The Secret of NIMH (1982). [9] Disney entró en la década de 1980 con un futuro incierto, a pesar de los respetables $39,900,000 en bruto y algunas buenas críticas de la película The Fox and the Hound. [10] Probablemente, el proyecto más ambicioso de Disney a principios de los años 80 fue Tron (1982), además de ser una de las primeras películas en usar la computación gráfica. [11]
En 1961, Chuck Jones apareció como escritor de la película de UPA Gay Purr-ee. Cuando Warner Bros. distribuyó la película al año siguiente, descubrieron que había contribuido a la película en violación de su contrato exclusivo y lo despidieron. Jones se asoció con Les Goldman para formar Sib Tower 12 Productions para trabajar con MGM en la serie Tom y Jerry a mediados de la década de los años 60; sus cortometrajes no eran tan populares como los originales de William Hanna y Joseph Barbera, pero más que los cortos de Gene Deitch producidos por William L. Snyder en el extranjero a principios de los años 60. Jones luego comenzó a producir una serie de especiales de televisión animados exitosos. Su especial más famoso fue How the Grinch Stole Christmas!, una adaptación de CBS de 1966 de la historieta de Dr. Seuss que aún sigue siendo popular y ha sido publicada en video y DVD varias veces. Jones también produjo tres adaptaciones animadas de cuentos de Rudyard Kipling, incluyendo The Jungle Book, un largometraje titulado The Phantom Tollbooth y la versión de 1970 para televisión de Horton Hears a Who! [12] [13]
Después de dejar definitivamente los estudios de Termite Terrace, Fritz Freleng y su nuevo socio David H. DePatie habían producido los dibujos animados de la Pantera Rosa desde los años 60 a través de un acuerdo de distribución con United Artists. Sin embargo, Freleng produciría varios especiales de televisión basados en los libros del Dr. Seuss, incluidos The Cat in the Hat o The Lorax. [14]
En 1981, Friz Freleng se retiró. El estudio de DePatie-Freleng fue vendido a Marvel Comics, y siguió como Marvel Productions Ltd. Este nuevo estudio se centró casi exclusivamente en la comercialización de juguetes, y encontró una nueva audiencia entre los espectadores jóvenes con dibujos animados orientados a la acción como G.I. Joe: A Real American Hero o The Transformers. [15]
Warner Bros. cerró por completo su estudio de animación en 1963, y los directores de Termite Terrace se separaron. Friz Freleng fue cofundador de DePatie-Freleng Enterprises, que produjo los cortos de los Looney Tunes y las Merrie Melodies desde 1964 a 1967. Warner Bros.-Seven Arts reabrió el estudio desde 1967 a 1969, pero los dibujos animados de bajo presupuesto no fueron populares entre la crítica y el público. Los nuevos personajes introducidos durante el período de Seven Arts, como Cool Cat, Bunny y Claude, Quick Brown Fox y Rapid Rabbit y Merlin the Magic Mouse, nunca fueron populares, mientras que las caricaturas de Termite Terrace se mantuvieron como favoritos de televisión a través de la sindicación y las transmisiones de los Saturday-morning cartoons durante el resto del siglo XX. [16]
En 1968, la música de The Beatles y el arte psicodélico, inspirado en Peter Max, se unieron por el animador George Dunning para crear Yellow Submarine. Disgustados con las series de televisión animadas anteriores que se representaban a sí mismos, los Beatles tenían dudas sobre el proyecto al principio y se negaron a participar más allá de proporcionar una mezcla de grabaciones musicales antiguas y originales. Sin embargo, quedaron impresionados con la película finalizada para aparecer en un epílogo de acción en vivo. [17]
En 1968, Ralph Bakshi, junto con el productor Steve Krantz, fundó Bakshi Productions, estableciendo el estudio como una alternativa a la animación convencional. También le pagó a sus empleados un salario más alto que cualquier otro estudio en ese momento. En 1969, Ralph's Spot se fundó como una división de Bakshi Productions para producir comerciales para Coca-Cola y Max, the 2000-Year-Old Mouse, una serie de cortos educativos pagados por la Enciclopedia Británica. Bakshi fue citado en un artículo de 1971 para Los Angeles Times diciendo que la idea de "hombres adultos sentados en cubículos dibujando mariposas flotando sobre un campo de flores, mientras que los aviones estadounidenses arrojan bombas en Vietnam y los niños están marchando por las calles, es ridículo". [18] Bakshi pronto desarrolló Heavy Traffic, una historia de la vida en la calle del centro de la ciudad. Sin embargo, Krantz le dijo a Bakshi que los ejecutivos del estudio no estarían dispuestos a financiar la película debido a su contenido y la falta de experiencia cinematográfica de Bakshi. Mientras paseaba por la librería East Side Book Store en St. Mark's Place, Bakshi se encontró con una copia de El gato Fritz de Robert Crumb. Impresionado por la aguda sátira de Crumb, Bakshi compró el libro y le sugirió a Krantz que produjera una adaptación en largometraje animado. [19] [20]
Fritz the Cat (1972) fue la primera película animada en recibir una calificación X Rating de la MPAA, y es la película de animación independiente más taquillera de todos los tiempos. Con el éxito de su segunda película, Heavy Traffic (1973), Bakshi se convirtió en la primera persona en la industria de la animación desde Walt Disney por lanzar dos películas exitosas viéndose desde el punto de vista financiero. [21]
Se hicieron algunos intentos para producir largometrajes de animación independientes en los años 70 y 80. Varias de estas fueron producciones decididamente orientadas a los adultos, incluyendo: Watership Down, The Plague Dogs, Heavy Metal, Coonskin, American Pop, Hey Good Lookin' y una versión animada y en vivo del álbum conceptual Pink Floyd – The Wall (que, aunque fue producida en el Reino Unido, recibió un amplio lanzamiento en los Estados Unidos). [22]
Otras películas como Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure de Richard Williams tuvieron menos éxito. [23] La industria continuó ignorando o descartando la animación como algo que solo los niños veían en la televisión por los Saturday-morning cartoons. El propio Ralph Bakshi produjo varias películas con temática de fantasía como: Wizards, El Señor de los Anillos y Fire and Ice. Will Vinton se encargó de realizar producciones en stop-motion y claymation como en los largometrajes Return to Oz y The Adventures of Mark Twain. Una excepción notable fue una serie de películas basadas en la franquicia Peanuts, comenzando con la película de 1969 A Boy Named Charlie Brown, que fue un éxito comercial y crítico; las películas se hicieron con el mismo equipo de producción detrás de los aclamados especiales de televisión Peanuts, dirigido por Bill Melendez. [24]
La animación en televisión se centró casi exclusivamente en los niños, y la tradición de levantarse temprano para ver los dibujos animados de los Saturday-morning cartoons se convirtió en un ritual semanal para millones de niños estadounidenses. Las redes se complacieron en complacer sus demandas ofreciendo bloques de espectáculos de dibujos animados de una duración de una hora. Varios otros estudios produjeron dibujos animados de televisión, como Filmation (Fat Albert and the Cosby Kids o The Archies) o DFE (The Pink Panther Show), pero Hanna-Barbera había desarrollado una cerradura virtual en las caricaturas de los Saturday-morning cartoons en la década de los años 70. Tales críticos del estilo de la animación limitada como Chuck Jones lo llamaban despectivamente "radio ilustrada"; debido a que muchas de las series animadas sorprendían más por la originalidad de la trama que por los diseños de los propios dibujos animados en sí. Otra característica de la animación televisiva es el constante uso de dibujos con líneas gruesas o finas, además de representar a los personajes planos en vez de añadirles volumen. Estas características siguen presentes en la actualidad, especialmente en animaciones Flash de estudios como Cartoon Network o Nickelodeon (ambas técnicas de animación se usan para reducir el presupuesto de producción mediante los estilos "Thick-Line" y "Thin-Line").[25]
Desde finales de la década de los años 60 hasta principios de la década de los años 80, se emitieron varios especiales de televisión animados de gran éxito. Debido a que estas caricaturas se emitieron durante las horas de mayor audiencia (y por lo tanto tuvieron que atraer tanto a adultos como a niños), tuvieron que obtener calificaciones más altas que sus contrapartes de los Saturday-morning cartoons y los días de semana. CBS, en particular, permitió que una gran cantidad de especiales de televisión animados se transmitieran en su red y varios de ellos continúan repitiéndose anualmente y se venden en video y DVD. El estudio Rankin/Bass Productions produjo una serie de especiales stop-motion orientados a las fiestas populares (como Rudolph the Red-Nosed Reindeer , Frosty the Snowman y Santa Claus Is Comin' to Town); mientras que la larga serie de especiales de Peanuts de Bill Melendez ganó numerosos premios, generó cuatro largometrajes e incluso lanzó una serie para los Saturday-morning cartoons. Otros intentos de llevar personajes de cómic a la televisión no tuvieron tanto éxito hasta que uno de los directores de Peanuts, Phil Roman, trajo la historieta de Jim Davis Garfield a la televisión a partir de 1982, lo que resultó en 11 especiales y un animado de larga duración serie. [26]
Este período también vio una serie de cortometrajes de animación independientes que rara vez se veían fuera de los cines "art house". A medida que los estudios de animación de Hollywood se desaparecían, varios productores independientes de animación continuaron realizando películas de animación artísticas y experimentales que exploraron nuevos territorios artísticos en el medio de la animación. Cortometrajes como Bambi Meets Godzilla eran casi desconocidos para el público general. Sin embargo, estas películas de animación independientes continuaron manteniendo la categoría anual del Premio de la Academia en cortometrajes de animación, así como la introducción de una serie de nuevos nombres en el campo de la animación, nombres que comenzarían a traer cambios a la industria a finales de la década de los años 80.
Aunque Hanna-Barbera lanzó un fenómeno con el estreno en 1981 de Los Pitufos en NBC, muy poco más de lo que produjo en esta década se hizo popular. A esto se agregaron los problemas financieros de su propietario Taft Broadcasting, que fue asumido por Carl Lindner, Jr., propietario de Great American Insurance Company, en 1987. Dos años más tarde, Tom Ruegger formó un éxodo de empleados de Hanna-Barbera para formar una nueva división de animación de Warner Bros. Animation. En 1991, Turner Broadcasting System compró la compañía y su biblioteca de animaciones.
Otros estudios de animación que surgieron para competir con Hanna-Barbera incluyen, los exalumnos de Hanna-Barbera Joe Ruby y Ken Spears con el estudio Ruby-Spears, DiC Entertainment o Film Roman. Además, los Saturday-morning cartoons continuaron los intentos de adaptar series de horario estelar para la animación. Después de tres décadas de resistencia, Disney finalmente ingresó en los Saturday-morning cartoons en 1985 cuando Los Wuzzles debutó con presupuestos significativamente más sustanciales. El éxito de sindicación con la primera transmisión de Patoaventuras, que se estrenó en 1987, finalmente inspiró un bloque entero de dibujos animados sindicados producidos por Disney Television Animation (The Disney Afternoon) que obligaron a los estudios de la competencia a mejorar sus propios estándares de producción para competir.
La década de los años 80 también vio una serie de caricaturas basadas en juguetes como: Teenage Mutant Ninja Turtles, G.I. Joe: A Real American Hero, Challenge of the GoBots, The Transformers, Rambo, He-Man and the Masters of the Universe, She-Ra: The Princess of the Power, Jem and the Holograms, Rubik, the Amazing Cube, Thundercats, My Little Pony o Care Bears. Incluso hubo caricaturas basadas en videojuegos como: Pac-Man, Dragon's Lair, Captain N: The Game Master e incluso, en los años 90, The Super Mario Bros. Super Show!, Mega Man, Adventures of Sonic the Hedgehog, Street Fighter o Mortal Kombat. Algunos de ellos inspiraron largometrajes como The Transformers: The Movie, el cual, se considera un clásico de la animación. Si bien muchos de ellos tuvieron éxito con los niños, se acusó a espectáculos como estos de ser glorificados anuncios de juguetes por grupos de padres como Action for Children's Television. Estos grupos también se opusieron al nivel de violencia en muchos de estos espectáculos. Los esfuerzos de ACT para frenar estas tendencias dieron como resultado la Ley de Televisión Infantil, promulgada en 1990 y estrictamente aplicada por la FCC a partir de 1996. [27] [28]
A lo largo de este período, la producción de anime japonés tuvo un impacto limitado en el mercado de América Septentrional. El trabajo más notable fueron las series de televisión como Battle of The Planets o Star Blazers en la década de los años 70 y Voltron o Robotech en la década de los años 80. Como regla, las series importadas fueron fuertemente censuradas para hacerlas aceptables a los niños; Star Blazers y Robotech fueron excepciones parciales. Aunque su impacto en América del Norte fue mínimo durante décadas, la naturaleza distintiva de las series de anime creó un seguimiento de culto que creció gradualmente hasta la década de los años 80 cuando Star Blazers y Robotech, con sus complejas líneas argumentales y su descripción franca de la violencia, ayudó a crear la corriente que conduciría a la gran afluencia de popularidad del anime a partir de la década de los años 90. El anime mantendría hasta la actualidad la percepción de animación para adultos por parte de la conciencia pública. [29][30]
La década de los años 80 también vio el auge de la industria del videoclip, encabezada por MTV. La experimentación artística en estos cortometrajes a menudo resultó en la producción de secuencias animadas innovadoras que recordaban a los televidentes el potencial de la animación como algo más que los dibujos animados de los Saturday-morning cartoons. Durante el apogeo de MTV se produjeron varios videos animados memorables, incluyendo: Take on Me por A-ha, Sledgehammer por Peter Gabriel, Money for Nothing por Dire Straits y Harlem Shuffle por The Rolling Stones (las secuencias animadas en este video fueron dirigidas por Ralph Bakshi y John Kricfalusi). [31]
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