La música experimental es un tipo de música en la que se amplían las nociones existentes de la música. En la música experimental se parte de ideas y formas que todavía están en fase de desarrollo en el ámbito musical y experimentar activamente a fin de encontrar nuevos estímulos (como preparar instrumentos, agregando otros objetos en ciertas partes de un instrumento para producir distintos timbres o efectos; clústers, superposición de gran cantidad de notas; creación de nuevos instrumentos, bien modificando instrumentos tradicionales instrumentos; formas de tocar no-convencionales, como el glissando, frullato, col legno, etc., con lo que se conseguía producir otros timbres y sonidos del instrumento sin modificar el instrumento ni agregarle objetos) que reorganicen los conceptos artísticos.
El término fue introducido por John Cage en 1955. Según Cage, un hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles. En un sentido más amplio también se refiere a la música que busca desafiar las nociones preestablecidas de qué es la música. Este término también fue utilizado originalmente para designar a la música electroacústica en los inicios de esta.
John Cage decía sobre el concepto de música experimental:
El origen de la música experimental es difuso, pero puede nombrarse a Olivier Messiaen como un introductor de elementos no utilizados antes como las "Ondas Martenot", instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia, cuyo creador fue Maurice Martenot. El gran discípulo de Messiaen, Pierre Boulez, comienza a fusionar la música occidental con la oriental, algo no muy común hasta entonces.
En la música experimental, no solo cambian las formas y las técnicas musicales, sino que con frecuencia cambian también la estructura y la localización de la orquesta. Por ejemplo, el compositor John Cage se dedica a la "música concreta", es decir, la utilización musical de todo tipo de objetos. Por su parte, Karlheinz Stockhausen, conocido por sus innovaciones en música electroacústica, se dedica a la música aleatoria y a la composición seriada. Su obra “Gruppen” (en castellano, “Grupos”) fue escrita en dos etapas y requiere la utilización de 3 orquestas. Finalmente, los compositores Steve Reich y Terry Riley cultivan la música “repetitva” con la superposición y repetición de sonidos grabados.
Se comienza a utilizar el sintetizador y muchos compositores escriben para orquesta, voz y, de modo novedoso, cinta magnetofónica. Además, destaca la influencia oriental en la música contemporánea y experimental.
La música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados en Francia por Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948.
Surge con el uso de las nuevas tecnologías en el ámbito acústico, y su uso para conseguir descontextualizar un sonido grabándolo en un soporte (analógico, como la cinta, o digital, como el CD) para que al combinarse con otros conseguir una estructura compleja y definitiva (como una partitura auditiva). esta descontextualización de los sonidos es lo que hace que también se refieran a esta música como " música de sonidos fijados”, ya que los sonidos descontextualizados son fijados en un soporte como la cinta, el CD o los archivos informáticos. Esta revolución de sonidos supuso un cambio en la estructura habitual de la música.
Fluxus se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no tiene como premisa la idea de la vanguardia como renovación de la lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se desune de todo lenguaje específico, es decir, tiene como pretensión la acogida de diferentes medios y materiales procedentes de campos distintos. En conclusión, el lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte.
Según Fillioum, poeta y artista francés, el movimiento Fluxus «antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine».
La intención principal de Fluxus es disolver el arte en lo cotidiano.
Es un género originario de Estados Unidos, que se cataloga como experimental. Empezó a desarrollarse en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. El minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que solo cuatro de ellos lograron relevancia: Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.
Lee Ranaldo y Thurston Moore experimentaron con afinaciones alteradas y jugaron con la técnica del “tercer puente” utilizando destornilladores que se situaban entre las cuerdas y el cuello de la guitarra. A todo este tipo de experimentos les siguió el krautrock en la década de los 1970. Los músicos alemanes comenzaron a experimentar con estructuras e instrumentos inusuales.
Los artistas del krautrock usaban elementos del rock psicodélico, experimentaban con collage de sonidos y efectos electrónicos, realizaban improvisaciones, buscaban crear atmósferas, e incorporaban elementos de la música concreta, el minimalismo, el jazz y la música oriental. El krautrock tenía influencias de los principios de la música experimental (Karlheinz Stockhausen, La Monte Young y John Cage), pero también utilizó como fuente de inspiración el pasado más cercano con grupos como Pink Floyd, The Velvet Underground con sus notas sostenidas y sus ritmos intensos, las experimentaciones electrónicas de Silver Apples, los trabajos más vanguardistas de The Beatles.
Einstürzende Neubauten creó sus propios instrumentos a base de pedazos de metal y herramientas de construcción.
El art rock es un término utilizado para describir a un amplio subgénero de la música rock, caracterizada por su tendencia experimental. El art rock utiliza elementos tales como experimentación con ritmos no muy explorados hasta el momento, elementos estéticos y líricos no asociados a la música rock (en muchos casos con letras poéticas). Este género es difícil de concretar ya que tiene influencias como el jazz, la música clásica, la world music y la música avantgarde. Sus variantes son tan extensas como los grupos, es decir, mientras The Beatles modificaban la textura sonora de las cintas de grabación, exploraban con instrumentos musicales poco comunes, implementaban metáforas psicodélicas en sus canciones y elementos de la música clásica, Pink Floyd incorpora el surrealismo y la influencia fantástica y mítica de la literatura en la lírica, The Velvet Underground se interesa por el uso del feedback e instrumentos como la viola, incorpora también elementos del jazz y la música de vanguardia. Estos son solo tres ejemplos del experimentalismo en el rock. Lo que influiría a toda la música que vendría después como el glam rock, el punk, la new wave, el rock gótico, el Shoegaze y el noise rock, .
Procol Harum incorporó elementos de la música clásica, como por ejemplo en su tema “A Whiter Sade Of Pale” donde se utiliza un órgano para realizar una melodía influenciada por Johann Sebastian Bach y letras poéticas bajo la influencia de Bob Dylan. Realmente, el art rock es un término no definido y por lo tanto no limitado, con todo lo positivo y negativo a lo que conlleva esto.
La revista Tellus Audio Cassette comenzó en 1983, realizando una revista que incluía cintas de casete centradas principalmente tanto en la música experimental del pasado, como en la del presente.
La influencia del experimentalismo en el rock desde la década de los 80 hasta hoy en día recibe el nombre de post-rock. Aunque el término fue dado a conocer por el crítico Simon Reynolds, no es un término que fuera creado por él, James Wolcott lo utilizó por primera vez en 1979.
Algunos de los grupos más influyentes para los 1990 y la siguiente década fueron, por ejemplo, Sonic Youth, grupo que comenzó su carrera en 1981 y que siempre tuvo como referencia a John Cage. Y la islandesa Björk ícono de la música alternativa y experimental junto con Arca
El post-rock toma como influencia el dronescape, estilo musical minimalista, cuyas composiciones suelen ser largas y prácticamente desprovistas de cambios armónicos durante toda la pieza.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950.
Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage –"Music of Changes" (1951 o 4'33; Música de cambios)–, el alemán Karlheinz Stockhausen –"Hymnen" (1967; "Himnos")–, los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y el francés Pierre Boulez.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadasadición oriental: variación entendida como diferenciación casi imperceptible de elementos sencillos en torno a un núcleo melódico-rítmico prefijado.
La música occidental se divide en "octavas" formadas cada una por doce escalones de frecuencia o semitonos. Sin embargo, normalmente no usa las frecuencias intermedias entre los doce semitonos mencionados. Estos semitonos o frecuencias no utilizados en el sistema occidental se les denominan microtonos.
La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos. Entre estos estudios estaban el Groupe de Recherches de la ORTF, en París, hogar de la musique concrete, el Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) en Colonia, que dirigía su atención hacia la Elektronische Musik, y el Columbia-Princeton Electronic Music Center en Nueva York, donde se exploraba la tape music, la música electrónica y la informática musical.
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