La era dorada de la animación estadounidense (Golden Age of American animation en inglés) fue el mayor período en la historia de la animación estadounidense que comenzó con el advenimiento de las caricaturas en sonido sincronizado en 1928, coincidiendo durante la era dorada de Hollywood, y continuó hasta mediados de los años 1960, cuando los cortometrajes animados teatrales, que servían para acompañar a los largometrajes en los cines, comenzaron a perder contra la competencia de la programación animada en la televisión con los Saturday-morning cartoons; así como el abandono de varios estudios de animación para realizar películas animadas.
Muchos personajes populares surgieron de este período, incluyendo: Mickey Mouse, Bugs Bunny, el Pato Donald, el Pato Lucas, Goofy, Tom y Jerry, Porky Pig, Betty Boop, el Pájaro Loco, Huckleberry Hound, Super Ratón, Mr. Magoo, la Pantera Rosa, Marvin el Marciano, Pedro y Vilma Picapiedra, Chip y Dale o las primeras adaptaciones animadas de Popeye, Casper, Little Lulu o Superman. La animación en largometrajes también comenzó durante este período, especialmente con las primeras películas de Walt Disney: Snow White and the Seven Dwarfs, Pinocho, Fantasía, Dumbo y Bambi. También comenzó la animación en televisión con las primeras series animadas desde 1949 hasta principios de los años 60 durante la Era Dorada de la Televisión.
Este período destacó por su animación tradicional de alto presupuesto con sus efectos de imagen, sonido y calidad argumental. Grandes artistas de la industria de este período como: Chuck Jones, Tex Avery, Bob Clampett, Walter Lantz, Paul Terry, Max y Dave Fleischer, Lillian Friedman Astor, Ted Eshbaugh, Frank Tashlin, Ub Iwerks, Stephen Bosustow, Friz Freleng, Walt Disney, Harman e Ising, William Hanna y Joseph Barbera, Ed Benedict, Iwao Takamoto, Don Bluth, Ted Sears, Shamus Culhane, Dick Huemer, Richard Williams, Albert Hurter, Retta Scott, Mary Blair, Ken Harris, Milt Kahl o Retta Davidson, trabajaron en los estudios de animación más célebres de este período. E incluso Chevrolet realizó cortometrajes animados como publicidad para sus automóviles. [1] [2] [3] [4]
Steamboat Willie fue lanzado el 18 de noviembre de 1928, y fue un gran éxito. Disney rápidamente ganó un gran dominio en el campo de la animación usando sonido en sus dibujos animados futuros al doblar Plane Crazy, The Gallopin' Gaucho y The Barn Dance casi terminado. La popularidad de Mickey Mouse coloca al personaje animado en las filas de las personalidades de la gran pantalla más populares del mundo. Los mayores competidores de Disney, Otto Messmer y Pat Sullivan con Félix el gato, fueron eclipsados por la popularidad de Mickey y el estudio Sullivan cerró en 1932. La comercialización basada en dibujos animados de Disney rescató a varias compañías de la bancarrota durante las profundidades de la Gran Depresión, y Disney aprovechó esta popularidad para avanzar con nuevas innovaciones en animación.
En 1929, lanzó una nueva serie titulada Silly Symphonies que se basaba en música sin personajes continuos. Sin embargo, no llegaron a ser tan populares como la serie Mickey Mouse.
En 1930, después de una pelea con Pat Powers; quien había vendido el sistema sonoro Cinephone para Steamboat Willie, Disney cambió los distribuidores a Columbia Pictures. Sin embargo, Ub Iwerks dejó a Disney después de una oferta de Powers para estar a cargo de su propio estudio de animación. [5]
En 1932, Mickey Mouse se había convertido en una sensación internacional, pero las Silly Symphonies no. Columbia Pictures se retiró de su distribución de la serie y Disney se sintió atraída a mudar las Silly Symphonies a United Artists por un aumento en el presupuesto.
Walt Disney luego trabajó con la empresa Technicolor para crear la primera caricatura a todo color de tres tiras, Flowers and Trees. Fue un gran éxito y también se convirtió en la primera caricatura en ganar un Premio de la Academia. Poco después, Disney negoció un acuerdo exclusivo pero temporal con Technicolor para que solo él pudiera usar el proceso de tres tiras en películas animadas, ningún otro estudio tenía permiso para usarlo. [6] Sin embargo, no quiso hacer Mickey Mouse en color porque pensó que Technicolor podría aumentar la popularidad de las Silly Symphonies.
En 1932, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionantes que atraparan a la audiencia y no la dejaran ir. Esta realización condujo a una innovación importante alrededor de 1932 y 1933: un "departamento de historia", separado de los animadores, con artistas de guiones gráficos que se dedicarían a trabajar en una fase de desarrollo de la historia en la cadena de producción. A su vez, el continuo énfasis de Disney en el desarrollo y la caracterización de la historia dio como resultado otro éxito en 1933: Three Little Pigs, que se considera la primera caricatura en la que varios personajes mostraban personalidades únicas e individuales y aún se considera el cortometraje animado más exitoso de todo el tiempo, y también presentó la exitosa canción que se convirtió en el himno en la lucha contra la Gran Depresión: "¿Quién teme al lobo feroz?" [7]
En la serie Mickey Mouse, continuó agregando personalidad a sus personajes; esto resultó en la creación de nuevos personajes como Pluto con The Chain Gang en 1930, Goofy con Mickey's Revue en 1932 y el Pato Donald en 1934 con The Wise Little Hen (bajo la serie Silly Symphonies). Cuando el contrato de Disney con Technicolor expiró, la serie Mickey Mouse se trasladó a Technicolor comenzando con The Band Concert en 1935. Además, Mickey fue parcialmente rediseñado para Technicolor más tarde ese año. [8]
En 1937, Disney inventó la cámara multiplano, que dio una ilusión de profundidad al mundo animado. Primero lo usó en la caricatura de Silly Symphonies The Old Mill. Gran parte del trabajo de Disney estuvo fuertemente influenciado por historias y mitos de Europa, y por el trabajo de ilustradores como Gustave Doré y Wilhelm Busch. [9]
También en 1937, Disney cambió los distribuidores a RKO Radio Pictures y se mantuvo en distribución hasta principios de la década de los años 50.
En 1937, Walt Disney produjo Snow White and the Seven Dwarfs, el primer largometraje de animación estadounidense y a todo color. Esta fue la culminación de cuatro años de esfuerzo de los estudios de Disney. Walt Disney estaba convencido de que las caricaturas cortas no mantendrían su estudio rentable a largo plazo, por lo que tomó lo que se consideraba una apuesta enorme. Los críticos predijeron que Snow White resultaría en una ruina financiera para el estudio. Dijeron que los colores serían demasiado brillantes para la audiencia y que se cansarían de los gags y se irían. [10] Sin embargo, las críticas probaron ser incorrectas. Snow White fue un éxito de taquilla en todo el mundo y fue aclamado universalmente como un hito en el desarrollo de la animación como una forma de arte seria. [11]
Después del éxito de Snow White, Disney pasó a producir Pinocho, que fue lanzado en 1940. Fue considerado un logro impresionante tanto en técnica como artísticamente, que costó el doble de esfuerzo que Snow White [12]. Sin embargo, Pinocchio no fue un éxito financiero, ya que la Segunda Guerra Mundial (que comenzó en 1939) cortó el 40% del mercado de lanzamiento extranjero de Disney y aunque fue un éxito moderado en los Estados Unidos, el bruto nacional no fue suficiente para volver sus ingresos. Sin embargo, la película recibió críticas muy positivas y ha ganado millones de relanzamientos posteriores. Más tarde ese año, Disney produjo Fantasía. Originalmente comenzó con el dibujo animado de Mickey Mouse, The Sorcerer's Apprentice, en un intento por recapturar la popularidad de Mickey, que se había reducido drásticamente al Popeye de Fleischer Studios [13] y al Pato Donald de Disney. [14] En The Sorcerer's Apprentice, Mickey Mouse fue rediseñado por Fred Moore. Este rediseño de Mickey todavía es popular hoy en día. [15] El corto no presentó ningún diálogo, solo música que fue dirigida por Leopold Stokowski. Cuando el presupuesto para el corto se volvió muy caro, Stokowski le sugirió a Disney que podría ser una película con otras piezas de música clásica combinadas con la animación. Disney estuvo de acuerdo y comenzó la producción. Fantasía también se convertiría en la primera película comercial lanzada en sonido estereofónico. Sin embargo, del mismo motivo ocurrió con Pinocho, Fantasía no fue un éxito financiero. Fantasía también fue la primera película de Disney que no fue tan bien recibida, recibiendo críticas mixtas de los críticos. Los críticos y el público de la música despreciaron a Walt Disney porque creían que Disney estaba luchando por algo que estaba más allá de su alcance al intentar introducir la animación dominante en el arte abstracto, la música clásica y los temas "de élite". Sin embargo, la película sería revaluada y aclamada en años posteriores y considerada como uno de los más grandes logros significativos en el arte de la animación. [16] [17]
En 1941, para compensar la taquilla moderada de Pinocho y Fantasía, Disney produjo un largometraje de bajo presupuesto, Dumbo. Dumbo fue un gran éxito y se convirtió en una de las películas animadas más aclamadas por la crítica que se haya hecho. [18] Pocos días después de que se completara la animación en Dumbo, estalló la huelga de animadores de Disney. Esto fue causado por Screen Cartoonists' Guild (que se había formado en 1938), quien cortó muchos lazos entre Walt Disney y su personal, mientras alentaba a muchos miembros del estudio de Disney a irse y buscar otros trabajos en otros estudios. [19] Más tarde ese año, Dumbo se convirtió en un gran éxito. La película aclamada por la crítica trajo ingresos muy necesarios y mantuvo el estudio a flote. Unos meses después de la liberación de Dumbo, Estados Unidos entró en la guerra después de que Pearl Harbor fuera atacado. Esto provocó la movilización de todos los estudios cinematográficos (incluidas sus divisiones de dibujos animados) para producir material de propaganda para reforzar la confianza pública y alentar el apoyo para el esfuerzo bélico. La guerra (junto con la huelga) sacudió a Disney, ya que el ejército estadounidense se apoderó del estudio de Disney tan pronto como Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941. [20] Debido a esto, Disney colocó las películas Alice in Wonderland, Peter Pan, The Adventures of Ichabod and Mr. Toad, Song of the South y Fun and Fancy Free en espera hasta que la guerra haya terminado. La única película que se le permitió continuar con la producción fue Bambi, que se lanzó en 1942. Bambi fue innovador en términos de animar a los animales de forma realista. Sin embargo, por el mismo motivo del fracaso de Pinocho y Fantasía debido a la guerra, Bambi fracasó en la taquilla y recibió críticas mixtas de los críticos. Esto fue de corta duración, ya que recaudó una cantidad considerable de dinero en el relanzamiento de 1947. [21]
Disney ahora estaba completamente comprometido con la guerra y contribuyó con la producción de cortometraje animados de propaganda y un largometraje titulado Victory Through Air Power. Esta película fue un fracaso en la taquilla y el estudio perdió alrededor de $ 500,000 como resultado. [22] Los cortometrajes de propaganda de dibujos animados requeridos tampoco eran tan populares como los cortometrajes regulares de Disney, y cuando el ejército terminó su estadía en los Estudios Disney cuando la guerra terminó en 1945, Disney luchó por reiniciar su estudio y tuvo una baja cantidad de presupuesto en mano.
Otros largometrajes de Disney de la década de los años 40 fueron producciones modestamente presupuestadas de segmentos de cortos animados, reunidos para hacer un largometraje. Estos comenzaron con Saludos Amigos en 1942 y continuaron durante la guerra con The Three Caballeros en 1944 (ambos largometrajes con intención de unir la fuerza y la cultura del continente Americano) y después de la guerra con Make Mine Music en 1946, Fun and Fancy Free en 1947, Melody Time en 1948 y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad en 1949. Originalmente, los segmentos Mickey and the Beanstalk, Bongo y Wind in the Willows serían lanzados en un solo largometraje, pero fueron reunidos en las anteriores películas paquete ya que Walt Disney temía que la animación de bajo presupuesto no fuera rentable. La película más ambiciosa de Disney de este período fue la película de 1946 Song of the South, una película que mezcla acción en vivo y animación acusada de representar a la gente afroamericana durante la esclavitud, aunque Disney había negado esta intención declarando que, al igual que en la novela de Joel Chandler Harris (en la que se basa la película), tiene lugar después de la Guerra Civil estadounidense y que todos los personajes afroamericanos en la película ya no son esclavos. [23] Este largometraje inspiró la producción de otro similar So Dear to My Heart en 1948. [24]
En 1950, Disney produjo Cinderella. Fue un gran éxito, convirtiéndose en la película más taquillera de 1950, y se convirtió en la película más exitosa de Disney desde Snow White and the Seven Dwarfs, y la primera película narrativa individual de Disney desde Bambi. [25]
Disney también comenzó a producir películas completas de acción real comenzando con Treasure Island en 1950. [26] También había estado creando documentales sobre la naturaleza con Seal Island en 1948 [27] y comenzó a transmitir en televisión con su especial One Hour in Wonderland en 1951. Debido a esto, Walt Disney necesitaba tiempo en varias unidades de medios diferentes a la vez y estaba pasando menos tiempo en el departamento de animación. Sin embargo, nunca perdió interés en la animación y siempre estuvo presente en las reuniones de producción. En 1951, lanzó Alice in Wonderland, un proyecto en el que había estado trabajando desde finales de la década de los años 30 y había dejado de lado durante la guerra. Esta película tuvo al principio un éxito moderado y recibió críticas mixtas de los críticos (aunque sería aclamado como uno de los clásicos más importantes de Disney unas décadas más tarde, y también haría millones de lanzamientos posteriores de cintas teatrales y videos domésticos). [28] En 1953 lanzó Peter Pan, que, como Alice in Wonderland, había estado en producción desde finales de la década de los años 30 y principios de la década de los años 40 y se archivó durante la guerra. Sin embargo, a diferencia de Alice in Wonderland, Peter Pan fue un gran éxito tanto en crítica como financieramente en su primer lanzamiento. [29]
Cuando el contrato de Disney con RKO Radio Pictures expiró a fines de 1953, en lugar de renovarlo, Disney estaba preocupado por la inestabilidad de RKO (debido al control cada vez más errático del propietario Howard Hughes) y comenzó a distribuir sus propias películas a través de su nueva creación. La subsidiaria Buena Vista Distribution. Esto permitió un mayor presupuesto para cortometrajes y características que con los últimos en producción para RKO, lo que hizo posible hacer algunas de las caricaturas en el nuevo formato CinemaScope. Sin embargo, el presupuesto por corto no era tan alto como en la década de los años 40, ya que Disney se había centrado más en la acción en vivo, la televisión y la animación en largometrajes y menos en la animación en cortometrajes. En 1953, poco después del cambio de RKO a Buena Vista, Disney lanzó su último corto de Mickey Mouse, The Simple Things. A partir de ahí, el estudio produjo menos cortos animados hasta el año en que la división de cortos animados finalmente se cerró en 1956. [30] Después de eso, cualquier cortometraje de dibujos animados en el futuro se realizó a través de la división de animación hasta 1969. El último corto de Disney, It's Tough to Be a Bird, fue lanzado en 1969.
En 1955 creó Lady and the Tramp, la primera película de animación en CinemaScope. Después de construir Disneylandia en 1955, Walt Disney recuperó una gran popularidad entre el público, y centró su atención en producir su película más ambiciosa: Sleeping Beauty. Esta película fue filmada en Super Technirama de 70 mm y en sonido estereofónico como Fantasia. También marcó un cambio en el estilo del dibujo, con dibujos animados y personajes angulosos; tomando influencia de UPA. Aunque Sleeping Beauty fue la segunda película más taquillera de 1959 (justo por detrás de Ben-Hur), [31] superó el presupuesto original, que costó 6 millones de dólares, y la película no pudo recuperar sus gastos (aunque ha sido considerada como uno de los mejores largometrajes animados de toda la historia de la animación). [32] Si bien Disney ya había realizado animaciones con stop-motion, la cinta Babes in Toyland fue el proyecto más notorio que incluyó esta técnica con acción en vivo durante este período. [33] El estudio estaba finalmente endeudado y tuvo que reducir el costo de la animación. En 1960, esto dio como resultado que Disney cambiara a la xerografía, que reemplazó el tradicional cel. La primera película que usó Xerox cels fue One Hundred and One Dalmatians en 1961. Pese a ser un gran éxito, el Xerox resultó en películas con un aspecto "más superficial" y carecía de la calidad de las películas manuscritas. Esto se hizo más evidente con el lanzamiento de la película animada de 1963 The Sword in the Stone. No obstante, el largometraje de 1964 Mary Poppins (basada en la novela de P.L. Travers), de acción en vivo y animación, logró recuperar la esencia de los anteriores largometrajes de Disney, además de ser el largometraje más aclamado y exitoso de Disney durante los años 60. [34]
El 15 de diciembre de 1966, Walt Disney falleció de cáncer de pulmón. Las últimas películas en las que estuvo involucrado en producción fueron The Jungle Book (1967) y los dos primeros cortometrajes animados de Winnie the Pooh (Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966) y Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968)), incluyendo la preproducción de los largometrajes The Aristocats (1970) y, en acción en vivo y animación, Bedknobs and Broomsticks (1971). [35] [36] The Jungle Book se lanzó un año después de su muerte mientras que The Many Adventures of Winnie the Pooh fue lanzado en 1977. Winnie the Pooh and the Blustery Day ganó el Premio de la Academia de 1968. Después de la muerte de Walt Disney, las películas animadas producidas por la compañía de Disney declinaron en animación y en atracción popular y crítica, a excepción de The Rescuers (1977). [37] El departamento de animación no se recuperó completamente hasta finales de la década de los años 80 y entrada la década de los años 90 con el Renacimiento de Disney (1989-1999).
Uno de los principales competidores de Disney fue Max Fleischer, director de Fleischer Studios, que produjo dibujos animados para Paramount Pictures. Fleischer Studios era una empresa familiar, operada por Max Fleischer y su hermano menor Dave Fleischer, que supervisaba la producción de los dibujos animados. Los Fleischers obtuvieron éxitos exitosos con los dibujos animados de Betty Boop y Popeye. La popularidad de Popeye durante la década de los años 30 rivalizó con Mickey Mouse a veces, y los clubes de fanes de Popeye surgieron en todo el país en imitación de los clubes de fanes de Mickey; en 1935, las encuestas demostraron que Popeye era incluso más popular que Mickey Mouse. Sin embargo, durante la década de 1930, las reglas de censura más estrictas aplicadas por el Código Hays en 1934 exigían que los productores de animación eliminaran el humor subido de tono. Los Fleischers en particular tuvieron que bajar el tono del contenido de sus dibujos animados de Betty Boop, que luego se desvanecieron en popularidad. Los Fleischers también produjeron una serie de dibujos animados, las Color Classics, durante la década de 1930 que intentaron emular el uso del color de Walt Disney, pero la serie no fue un éxito. Otra serie significativa de Fleischer Studios fue Talkartoons en blanco y negro con las apariciones de Betty Boop, Bimbo y el regreso de Koko el payaso.
En 1934, Max Fleischer se interesó en la producción de un largometraje de animación poco después del anuncio de Disney sobre Snow White and the Seven Dwarfs, sin embargo, Paramount desechó la idea. En 1936, Fleischer Studios produjo la primera de las tres caricaturas de Popeye en Technicolor de dos carretes: Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor en 1936, Popeye the Sailor Meets Ali Baba's Forty Thieves en 1937 y Aladdin and His Wonderful Lamp en 1939.
En 1938, después del éxito de Disney con Snow White and the Seven Dwarfs, Paramount autorizó a los Fleischers a producir un largometraje y el estudio Fleischer se trasladó desde Nueva York a Miami, Florida, para evitar sindicatos organizados, que se convirtieron en una amenaza para el estudio. Una huelga de cinco meses ocurrió entre los trabajadores de Fleischer Studio a fines de 1937. Aquí los Fleischer produjeron Gulliver's Travels en 1939. Fue un pequeño éxito y animó a los Fleischers a producir más.
En mayo de 1941, los Fleischer le otorgaron a Paramount la plena propiedad del estudio como garantía para pagar las deudas que les quedaban de los préstamos que obtuvieron del estudio para crear dibujos animados fallidos como Stone Age, Gabby y Color Classics. Sin embargo, todavía mantenían sus posiciones como jefes de la producción de su estudio. Bajo la regla de Paramount, Fleischers introdujo a Popeye en la Marina y contribuyó al esfuerzo bélico, y obtendría más éxito al comenzar una serie de espectaculares dibujos animados de Superman (el primero de los cuales fue nominado a un Oscar) que se han vuelto legendarios en sí mismos.
A pesar del éxito que Superman le dio al estudio, un golpe importante al estudio ocurriría cuando el matrimonio Dave comenzara a tener una aventura adúltera con la secretaria de Miami. Esto condujo a muchas disputas entre los hermanos Fleischer hasta que Max y Dave ya no se hablaban entre sí. En 1941 lanzaron Mister Bug Goes to Town, desafortunadamente fue lanzado unos días antes del ataque a Pearl Harbor, lo que causó que la película fallara en la taquilla. Poco después de la pobre taquilla de la película, Dave Fleischer, que aún mantenía su posición como co-jefe de su estudio, había dejado Fleischer Studios para ejecutar las caricaturas Screen Gems de Columbia Pictures. Debido a esto, Paramount Pictures despidió a Dave y Max Fleischer de sus puestos como jefes del estudio de dibujos animados.
Paramount se hizo cargo por completo del estudio Fleischer y lo colocó bajo el pliegue de su propio estudio, renombrándolo Famous Studios y continuando el trabajo que los Fleischers comenzaron con Popeye, Superman y Screen Songs, e incluso incorporando nuevas series como: Casper, Little Lulu (reemplazada más tarde por Little Audrey), Kartunes, Baby Huey, Herman y Katnip (creados para competir con Tom y Jerry de MGM Cartoon Studio) y Noveltoons. La partida de los hermanos Fleischer tuvo un efecto inmediato en el estudio: los dibujos animados Paramount de los años de la Segunda Guerra Mundial continuaron siendo entretenidos y populares y aún retuvieron la mayor parte del estilo y brillo de Fleischer. Después de que la guerra terminara en mayo de 1945, comenzó un declive en la calidad de la historia y la animación que se haría cada vez más evidente a medida que comenzaba la década de los años 50; hasta el punto de terminar con la mayoría de sus dibujos animados en 1959. Cabe señalar que en 1958 Famous Studios se encargó de la producción de varios segmentos de la serie animada Felix the Cat. El estudio siguió realizando la serie Noveltoons hasta 1967 cuando fue cerrado permanentemente.
En 1928, el productor Amadee J. Van Beuren formó una alianza con Paul Terry y formó el "Aesop's Fables Studio" para la producción de la serie de dibujos animados de Aesop's Film Fables. En 1929, Terry se fue para comenzar su propio estudio y fue reemplazado por John Foster, que se hizo cargo del departamento de animación y le cambió el nombre del estudio a Van Beuren Studios. Entre los años 1930 y 1931 Charles Mintz estuvo involucrado en la creación del personaje Toby the Pup (personaje similar a Bimbo de Fleischer Studios) para RKO Radio Pictures, el propietario de Van Beuren Studios, logrando ser un éxito. Aunque la serie dejó de producirse debido a que no fue enteramente producida por Van Beuren Studios y Charles Mintz se encargaba de su propio estudio de animación con Columbia Pictures.
Van Beuren continuó la serie Aesop's Film Fables, y sin éxito intentó una adaptación de dibujos animados de los comediantes de radio Amos 'n' Andy. Otros dibujos animados de Van Beuren presentaban a Tom y Jerry (no confundir con los personajes animados de MGM Cartoon Studio, sino un dúo humano similar a Mutt y Jeff, tuvieron que ser renombrados como "Dick y Larry" para evitar confusión) y varias adaptaciones animadas del personaje de cómic The Little King de Otto Soglow. Frank Tashlin y Joseph Barbera se encontraban entre los animadores que trabajaron brevemente para el estudio. [38]
En 1934, mientras otros estudios estaban poniendo dibujos animados en Technicolor para competir a la serie de dibujos animados Silly Symphonies de Disney, Van Beuren Studios abandonó sus dibujos animados restantes y respondió el uso de Technicolor de mediante la creación de la serie Rainbow Parade, que era de todo color. Sin embargo, la serie no fue un éxito, y en 1937, RKO Pictures cerró el estudio cuando RKO decidió distribuir los dibujos animados de Disney. Van Beuren Studios también fue el responsable de realizar las primeras adaptaciones a color y en sonido sincronizado de Félix el gato y Toonerville Trolley. Otras de sus series significativas son Parrotville, Burt Gillett's Toddle Tales, Cubby Bear y Molly Moo-Cow. [39] Incluye el trabajo independiente del animador canadiense Ted Eshbaugh; quien creó la primera adaptación animada de El mago de Oz en 1933. [40]
Después de perder su serie Aesop's Film Fables para Van Beuren Studios en 1929, Paul Terry estableció un nuevo estudio llamado Terrytoons. [41]
Terrytoons produjo 26 caricaturas al año para Educational Pictures, que a su vez suministró cortometrajes animados a Fox Film Corporation (más tarde 20th Century-Fox). Las caricaturas de Terry de la década de los años 30 eran principalmente dibujos animados musicales en blanco y negro sin personajes recurrentes, a excepción del granjero Farmer Al Falfa, que apareció en las caricaturas de Terry desde la época del cine mudo. Educational quebró a fines de la década de los años 30, y Terry firmó directamente con Fox para distribuir sus cortometrajes animados. El personaje que más popularidad consiguió en esta época fue Kiko the Kangaroo quien también hizo apariciones con Al Falfa. [42] Al Falfa Tras el éxito de Snow White and the Seven Dwarfs (1937) de Disney, Paul Terry pensó en hacer una adaptación en película animada de King Lear protagonizada por el granjero Al Falfa. Sin embargo, después de ver los resultados comerciales de Pinocchio y Fantasia de Disney (ambas de 1940) y Mr. Bug Goes to Town (1941) de Max Fleischer debido a la guerra, decidió cancelar el proyecto. [43]
En 1938 Paul Terry se las arregló para lanzar sus viejos dibujos animados a través del distribuidor de películas Castle Films. Tras el cierre de Educational Pictures, 20th Century-Fox continuó lanzando Terrytoons en los cines durante las siguientes dos décadas. Con un nuevo énfasis en los personajes estrella, Terrytoons presentó las aventuras de Super Ratón, Heckle y Jeckle y Ganso Gandy y Sourpuss (Gandy ya apareció en cortos de los años 30). Otras series notables del estudio incluyen: Fany Zilch, Dinky Duck, Little Roquefort (para competir con Tom y Jerry de MGM Cartoon Studio), The Terry Bears, Puddy the Pup, Dingbat y Silvestre el Zorro, Oil Can Harry y Pearl Pureheart (que se convirtieron en personajes recurrentes con Super Ratón) o las adaptaciones animadas del cómic Nancy. [44]
A lo largo de su historia, el estudio fue considerado como uno de los de menor calidad en la industria, hasta el punto en que Paul Terry señaló: "Disney es el Tiffany's en este negocio, y yo soy el Woolworth's". El estudio de Terry estaba adaptándose lentamente a las nuevas tecnologías, como el sonido y Technicolor, mientras que su estilo gráfico permaneció notablemente estático durante décadas. A pesar de ello, Terrytoons fue nominado tres veces para el Premio de la Academia por los cortos: All out for V en 1942, My Boy, Johnny en 1944 y Sidney's Family Tree en 1958. La producción musical de fondo fue confiada a Philip Scheib, y la negativa posición de Terry a pagar por canciones populares obligó a Scheib a componer sus propias partituras. Paul Terry se enorgullecía de producir una nueva caricatura cada dos semanas, independientemente de la calidad de las películas. Terry vendió su compañía y sus demandas a CBS en 1955 y se retiró del estudio, poniendo a los sucesores productores a los animadores Gene Deitch durante el resto de los años 50 y a Ralph Bakshi en los años 60. Pese a que el estudio permaneció activo hasta 1968, el estilo de animación original de Terrytoons fue cambiando a partir de 1956 a un estilo de animación de muy bajo presupuesto. [45] No obstante, el estudio logró realizar un nuevo personaje popular llamado Deputy Dawg; cuyo diseño se basó en personajes originales de Paul Terry. [46] Cabe señalar que Terrytoons también destacó por realizar varias de las primeras series animadas para televisión en los años 50, como Barker Bill's Cartoon Show, Mighty Mouse Playhouse, The Heckle and Jeckle Show y Tom Terrific. [47]
Después de que Charles Mintz fue despedido de Universal Studios, él todavía estaba a cargo de su propia dirección de dibujos animados produciendo las caricaturas en sonido sincronizado de Krazy Kat para Columbia Pictures. También creó una nueva serie con el personaje llamado Scrappy, creado por Dick Huemer en 1930. Scrappy fue la creación más exitosa del estudio, pero el estudio sufriría daños irreparables después de que Dick Huemer fuera despedido en 1933. [48] En 1934, Mintz, como la mayoría de los demás estudios de animación de la época, también intentó responder al uso de Technicolor por parte de Disney, y comenzó a hacer dibujos animados en color a través de la serie Color Rhapsodies; la serie fue originalmente en Cinecolor, pero se movió a Technicolor después de que el contrato de Disney con Technicolor expiró en 1935. Sin embargo, la serie no logró atraer la atención, y en 1939, Mintz estaba en deuda con Columbia Pictures. Como resultado, Mintz vendió su estudio a Columbia. Columbia renombró el estudio, que Mintz todavía manejaba, Screen Gems; Mintz falleció el año siguiente. Otras de las series producidas por Screen Gems incluyen: Phantasies, Fables, Flippity y Flop o las adaptaciones animadas de los cómics Barney Google y Snuffy Smith y Li'l Abner.
Frank Tashlin y John Hubley, fueron animadores de Disney que se fueron durante la huelga, y obtuvieron trabajos en Screen Gems, donde Tashlin se desempeñó como productor principal, mientras que Hubley actuó como director de estudio. Tashlin ayudó a Screen Gems a obtener más éxito al presentar a los personajes Fauntleroy Fox y Crawford Crow, las estrellas más importantes de Screen Gems. Tashlin mantuvo su posición hasta que Columbia Pictures lo despidió del estudio a favor de Dave Fleischer en 1942. Las caricaturas de Screen Gems tuvieron un éxito moderado y nunca superaron el talento artístico de Disney, Warner Bros. Cartoons, Inc. o MGM Cartoon Studio. Columbia Pictures siguió distribuyendo sus caricaturas hasta cerrar el estudio en 1946, aunque continuó distribuyendolas hasta 1949, y comenzó a buscar una nueva compañía de producción de dibujos animados; encontrando como sucesor el estudio UPA.
En 1929, Walter Lantz reemplazó a Charles Mintz como productor de dibujos animados de Universal Studios. El personaje principal de Lantz en este momento fue Oswald, el conejo afortunado, cuyos dibujos animados anteriores habían sido producidos tanto por Walt Disney y Ub Iwerks como por Charles Mintz. [49] Lantz también comenzó a experimentar con dibujos animados a color, y el primero, llamado Jolly Little Elves, fue lanzado en 1934. En 1935, Lantz hizo que su estudio fuera independiente de Universal Studios, y Universal Studios era ahora solo los distribuidores de sus dibujos animados en lugar de su dueño directo. [50]
En la década de los años 40, Oswald comenzó a perder popularidad. Lantz y su equipo trabajaron en varias ideas para posibles nuevos personajes de dibujos animados (entre ellos Pooch the Pup, Meany, Miny y Moe y Baby-Face Mouse). Finalmente, uno de estos personajes logró alcanzar el éxito; el personaje Andy Panda, que se transmitió en Technicolor. Por muy exitoso que fuera Andy, no fue sino hasta la quinta caricatura del personaje, Knock Knock, que se introdujo un verdadero personaje innovador. Este no era otro que el Pájaro Loco, quien se convirtió en la creación más exitosa de Lantz. [51] Durante esta época Lantz creó la serie Swing Symphony (para competir con las Silly Symphonies de Disney); teniendo el cortometraje animado Juke Box Jamboree nominado al Premio de la Academia. [52] Otras series notables del estudio incluyen: Cartune Classics, New Universal Cartoon, Foolish Fables, Maw y Paw, Maggie y Sam, Windy y Breezy, Inspector Willoughby, Hickory, Dickory y Doc, The Beary Family o las adaptaciones animadas del cómic Space Mouse. [53] [54]
El estudio Walter Lantz cerró a fines de 1948 debido a problemas financieros y United Artist se convirtió en el nuevo distribuidor de las anteriores caricaturas de Lantz. Se abrió nuevamente en 1950 con un personal reducido, principalmente porque Lantz pudo firmar un acuerdo con Universal (en este momento conocido como Universal-International) para más dibujos animados del Pájaro Loco, comenzando con Puny Express de 1951 y más tarde con el personaje Chilly Willy, creado por Paul J. Smith. El Pájaro Loco continuaría apareciendo en cortometrajes animados teatrales hasta 1972, cuando Lantz cerró su estudio permanentemente. Afortunadamente para Lantz, la popularidad del Pájaro Loco se alargó cuando comenzó a aparecer en The Woody Woodpecker Show desde 1957 a 1958, desde donde entró en la sindicación hasta 1966. NBC revivió el programa dos veces: en 1970 y 1976, y finalmente en 1985 Lantz vendió todas las producciones del Pájaro Loco a Universal Studios, tras formar parte de MCA.
A lo largo de la historia del estudio, mantuvo la reputación de una calidad media en sus trabajos. Sus dibujos animados fueron considerados superiores a los de Famous Studios y Terrytoons, pero no obtuvieron el mismo reconocimiento artístico que los creados por Disney, Warner Bros. Cartoons, Inc. o UPA. Sin embargo, el estudio se veía beneficiado con la llegada de personas de otros estudios, debido a la diferencia entre Lantz y otros productores como Walt Disney, Fred Quimby y Eddie Selzer. Tex Avery fue uno de los muchos talentos que llegaron al estudio. Walter Lantz también enseñaba el procesamiento de los dibujos animados a los espectadores; convirtiéndose en una de las figuras más memorables del cine de animación. [55]
En 1929, los ex animadores de Disney Hugh Harman y Rudolf Ising hicieron una caricatura titulada Bosko, the Talk-Ink Kid, y trataron de venderla a un distribuidor en 1930. Warner Bros., que previamente había intentado sin éxito establecer un estudio de dibujos animados en Nueva York para competir con Disney, acordó distribuir la serie. Bajo la guía del productor Leon Schlesinger, Harman e Ising crearon Looney Tunes (el título es una variación de las Silly Symphonies de Disney) protagonizada por su personaje Bosko. Una segunda serie de Harman-Ising, Merrie Melodies, siguió en 1931. Ambas series mostraron la fuerte influencia de las primeras películas de Disney; especialmente, con el personaje Foxy tras sus apariciones en Lady, Play Your Mandolin!, Smile, Darn Ya, Smile! (basado en el cortometraje animado de Oswald Trolley Troubles) y One More Time. [56]
Después de disputas sobre el presupuesto, Harman e Ising se separaron de Schlesinger en 1933, llevándose a Bosko con ellos para trabajar con Metro-Goldwyn-Mayer. Schlesinger comenzó su propia operación de dibujos animados bajo el nuevo nombre de Leon Schlesinger Productions, contratando al animador de Harman-Ising Friz Freleng y varios otros para dirigir el estudio. El animador Tom Palmer creó un clon de Bosko conocido como Buddy y respondió al uso de color de Disney en las caricaturas de Silly Symphonies en 1934, y comenzó a hacer todas las futuras caricaturas de Merrie Melodies en color.Sin embargo, dado que Disney tuvo un trato exclusivo con Technicolor, Schlesinger se vio obligado a utilizar Cinecolor y Two Strip Technicolor hasta 1935, cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor. En 1935, Schlesinger despidió a Tom Palmer y Buddy fue desechado.
En una de las Merrie Melodies de 1935 dirigido por Friz Freleng titulado I Haven't Got a Hat, fue la primera aparición en pantalla de Porky Pig. También en 1935, Schlesinger contrató a un nuevo director de animación que procedió a revitalizar el estudio: Tex Avery. Schlesinger puso a Avery a cargo de los Looney Tunes de bajo presupuesto en un viejo y deteriorado edificio que los animadores llamaron "Termite Terrace". Bajo Avery, Porky Pig reemplazaría la serie Buddy y se convertiría en el primer personaje de dibujos animados de Warner Bros. en alcanzar el poder de las estrellas de cine. También en "Termite Terrace", el animador Bob Clampett rediseñó Porky a un personaje más lindo e inocente.
A diferencia de los otros productores de dibujos animados de la época, Avery no tenía intención de competir con Disney, sino que traía un nuevo y alocado estilo de animación al estudio que aumentaría la popularidad de las caricaturas de Warner Bros. en el concurrido mercado. Esto se estableció firmemente en 1937 cuando Tex Avery dirigió Porky's Duck Hunt dando inicio de creación al personaje Pato Lucas. Después de su creación, agregaría aún más éxito a las caricaturas de Warner Bros. y reemplazaría a Porky Pig como el personaje animado más popular del estudio, y Bob Clampett se hizo cargo de "Termite Terrace", mientras que Tex Avery se hizo cargo del departamento de Merrie Melodies.
La caricatura de 1940 nominada al Premio de la Academia A Wild Hare (dirigida por Avery) marcó el debut oficial de Bugs Bunny. Bugs rápidamente reemplazó a Lucas como la estrella principal del estudio. En 1942, Bugs se había convertido en el personaje de dibujos animados más popular. Debido al éxito de Bugs, Lucas y Porky, el estudio Schlesinger ahora había alcanzado nuevas alturas, y Bugs se convirtió rápidamente en la estrella de las caricaturas de Merrie Melodies, que también se habían utilizado para apariciones de personajes no continuos. En 1942, los cortos de Warner Bros. habían superado las ventas y la popularidad de Disney.
Frank Tashlin también trabajó con Avery en el departamento de Merrie Melodies. Comenzó en Warner Bros. en 1933 como animador, pero fue despedido y se unió a Ub Iwerks en 1934. Tashlin regresó a Warner Bros. en 1936, asumiendo la dirección del departamento de Merrie Melodies. Regresó en 1943 dirigiendo las caricaturas de Porky Pig y Pato Lucas. Se fue en 1946 para dirigir películas de acción en vivo mientras que Robert McKimson se hizo cargo de su antigua unidad. Clampett fue despedido en ese mismo año y Arthur Davis se hizo cargo de su unidad durante 3 años antes de que la gerencia pensara que solo debería haber tres directores. McKimson creó muchos personajes recurrentes como el Gallo Claudio y el Perro George, Speedy Gonzales, Taz, el Demonio de Tasmania o Silvestre Jr.
Después de varias disputas con Schlesinger por el presupuesto, Avery dejó Warner Bros. en 1941 y se fue a trabajar a MGM Cartoon Studio. Avery creó Droopy en 1943 y muchos otros personajes durante su carrera de 12 años en MGM. Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. en agosto de 1944. Edward Selzer fue nombrado a su vez el nuevo productor. En este momento, los mejores directores de caricaturas de Warner Bros. de los años 40 y 50 fueron Friz Freleng, Chuck Jones y Bob Clampett. Sus dibujos animados ahora se consideran grandes clásicos audiovisuales. Dirigieron algunos de los cortos animados más queridos de todos los tiempos, incluyendo (por Clampett) Porky in Wackyland, A Corny Concerto, The Great Piggy Bank Robbery o The Big Snooze; (por Freleng) You Ought to Be in Pictures, Little Red Riding Rabbit, Birds Anonymous o Knighty Knight Bugs y (por Jones) Duck Amuck, Duck Dodgers in the 24½th Century, One Froggy Evening o What's Opera, Doc?. Durante esta época aparecerían en pantalla Piolín y el gato Silvestre, el Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew, Yosemite Sam, Marvin el Marciano o Elmer Fudd. En 1960 el estudio realizó The Bugs Bunny Show, la primera serie animada creada por el estudio a finales de la Era Dorada de la Televisión.
Después de más de dos décadas en la cima, Warner Bros. cerró el estudio original "Termite Terrace" en 1963 y DePatie-Freleng Enterprises asumió la producción de los cortometrajes en 1964, con licencia de Warner Bros., hasta 1967 y más tarde con el estudio Warner Bros.-Seven Arts hasta 1969. Los dibujos animados de ambos estudios de esta época fueron críticamente criticados y ampliamente considerados como los peores en la historia de Warner Bros. Cartoons, Inc. [57]
Una década más tarde, después del éxito de la película The Bugs Bunny/Road Runner Movie, que consistía principalmente en imágenes de los cortometrajes clásicos de Jones, un nuevo estudio interno para producir animación original abrió sus puertas en 1980 con el nombre de Warner Bros. Animation, que existe hasta el día de hoy.
Al principio, Mickey Mouse fue animado por el socio y amigo de Walt Disney, Ub Iwerks, quien también era un innovador técnico en caricaturas, y dibujó un promedio de 600 dibujos para Disney diariamente; Disney fue responsable de las ideas en las caricaturas, e Iwerks fue responsable de darles vida. Sin embargo, Iwerks dejó el estudio de Disney en 1930 para formar su propia compañía, que fue respaldada financieramente por el propietario de Celebrity Pictures, Pat Powers. Después de su partida, Disney finalmente encontró varios animadores diferentes para reemplazar a Iwerks. Iwerks produciría tres series de dibujos animados durante la década de 1930: Flip the Frog, Willie Whopper y las ComiColor (en las que se representó la primera adaptación animada de Don Quijote de la Mancha) para Metro-Goldwyn-Mayer, esta última sería continuada para Celebrity Pictures. Sin embargo, ninguna de estas caricaturas podría igualar el éxito de las caricaturas de Disney o Fleischer Studios, y en 1933, MGM, el distribuidor de caricaturas de Iwerks desde 1930, terminó la distribución de sus caricaturas a favor de la distribución de las caricaturas de Harman e Ising, e Iwerks se fue después de que su contrato expiró en 1934. Después de su estancia con MGM, Celebrity Pictures distribuyó los dibujos animados de Iwerks, e Iwerks respondería al uso de Technicolor por parte de Disney y continuaría la serie ComiColor, que transmitía dibujos animados en Cinecolor de dos bandas Sin embargo, en 1936, el estudio de Iwerks comenzó a experimentar reveses financieros y se cerró después de que Pat Powers retiró la ayuda financiera al estudio. Iwerks regresó a Disney en 1940, donde trabajó como jefe de la división de "desarrollo de efectos especiales" hasta su muerte en 1971.
Después de que MGM retirara a Iwerks, contrataron a Harman e Ising tras dejar el estudio de Leon Schlesinger en Warner Bros. y los nombraron jefes del estudio. Comenzaron a producir dibujos animados de Bosko y las Happy Harmonies, que eran un emulativo de Silly Symphonies de Disney. Sin embargo, no lograron triunfar en los cines, y en 1937 ambas series se suspendieron y MGM reemplazó a Harman e Ising con Fred Quimby. Después de que Quimby se hizo cargo, mantuvo un número del personal de Harman e Ising y buscó talentos en otros estudios de animación. Creó una adaptación animada de la serie de cómics The Katzenjammer Kids, a la que tituló The Captain & The Kids. La serie no tuvo éxito. Sin embargo, en 1939, Quimby obtuvo éxito luego de volver a contratar a Harman e Ising. Después de regresar a MGM, Ising también creó la primera estrella animada exitosa de MGM, Barney Bear. En 1939, William Hanna y Joseph Barbera comenzaron una asociación que duraría más de seis décadas, hasta el fallecimiento de Hanna en 2001. El primer dibujo animado del dúo fue Puss Gets the Boot (1940), presentando un ratón sin nombre para burlar a un gato llamado Jasper. Aunque fue lanzado sin fanfarria, el corto tuvo un éxito financiero y crítico, ganando una nominación al Premio de la Academia por Mejor Cortometraje Animado en 1940. Con la fuerza de la nominación al Oscar y la demanda del público, Hanna y Barbera se propusieron producir un producto de larga duración. Una serie de dibujos animados con una pareja de gato y ratón, bautizando pronto a los personajes Tom y Jerry. Puss Gets the Boot no ganó el Premio de la Academia de 1940 al Mejor Cortometraje Animado, pero sí otro dibujo animado de MGM, The Milky Way, de Rudolf Ising, convirtiendo el estudio MGM Cartoon Studio en ser primero en arrebatar el Premio de la Academia a los estudios Disney.
Después de aparecer en Puss Gets the Boot, Tom y Jerry se convirtieron rápidamente en las estrellas de los dibujos animados de MGM. Con Hanna-Barbera a sus espaldas, el estudio de dibujos animados de MGM finalmente pudo competir con Disney en el campo de los dibujos animados. Los cortometrajes tuvieron éxito en la taquilla, muchos productos con licencia (cómics, juguetes, etc.) se lanzaron al mercado, y la serie ganó doce nominaciones más al Premio de la Academia por Cortometrajes Animados, con siete de los Tom y Jerry ganando: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please! (1945), The Cat Concerto (1946), The Little Orphan (1948), The Two Mouseketeers (1951) y Johann Mouse (1952). Tom y Jerry finalmente se relacionaron con las Silly Symphonies de Disney como la serie de dibujos animados teatrales más premiada. Hanna y Barbera también produjeron para el estudio de MGM media docena de cortos dramáticos además de la serie Tom y Jerry, incluyendo Gallopin' Gals (1940), Officer Pooch (1941), War Dogs (1943) y Good Will to Men (1955) (este último siendo un remake del cortometraje animado Peace on Earth de Harman e Ising). Fred Quimby se retiró en 1955, con Hanna y Barbera reemplazando su cargo de los dibujos animados restantes (incluidos los últimos siete episodios de Droopy de Tex Avery) hasta 1957, cuando el estudio cerró para crear su sucesor Hanna-Barbera, poniendo fin a todas las producciones de animación. Los dibujos animados de Tom y Jerry serían continuados, bajo licencia de MGM, con William L. Snyder desde 1961 a 1962 y Chuck Jones desde 1963 a 1967. Sin embargo, ambos animadores no lograron superar la calidad y el argumento de los dibujos animados antecesores.
La clave del éxito de Tom y Jerry y otras caricaturas de MGM fue el trabajo de Scott Bradley, que anotó virtualmente todos los dibujos animados para el estudio desde 1934 a 1957. Los puntajes de Bradley hicieron uso de las sensibilidades clásica y jazzística. Además, a menudo usaba canciones de las partituras de los largometrajes de MGM, la más frecuente de ellas era "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) y "Sing Before Breakfast" de The Broadway Melody (1936).
Mientras tanto, Tex Avery llegó a MGM en 1942 y revitalizó el estudio de dibujos animados con la misma chispa que había infundido en los estudios de Warner Bros. Cartoons, Inc. Las obras maestras surrealistas y salvajes de Tex Avery de sus días en MGM establecen nuevos estándares para el entretenimiento "adulto" en los dibujos animados de la era del Código Hays; especialmente cuando MGM lanzó el cortometraje animado Red Hot Riding Hood en 1943. A Tex Avery no le gustó usar personajes recurrentes, pero permaneció fiel a un personaje a lo largo de su carrera en MGM con Droopy, que fue creado en Dumb-Hounded (1943). Tex también creó la Ardilla Loca en 1944, pero Tex le tenía menos cariño y suspendió la serie después de cinco caricaturas. Él también creó el dúo inspirado en Of Mice and Men George y Junior en 1946, pero solo cuatro caricaturas se produjeron. En 1953, Metro-Goldwyn-Mayer cerró el departamento de Tex Avery.
En 1943 John Hubley dejó Screen Gems y formó un estudio con los antiguos animadores de Disney Stephen Bosustow, David Hilberman y Zachary Schwartz, quienes, al igual que Hubley, habían dejado Disney durante la huelga de animadores. El estudio que Hubley fundó era un estudio de animación más nuevo y más pequeño que se enfocaba en perseguir la propia visión de Hubley de probar estilos de animación más abstractos y experimentales. Bosustow, Hilberman y Schwartz nombraron al nuevo estudio como Film and Poster Service, o IFPS. Artísticamente, el estudio utilizó un estilo de animación que se conoce como animación limitada. El primer corto del estudio recién formado fue Hell-Bent for Election (dirigida por el veterano de Warner Bros. Chuck Jones), una caricatura hecha para la campaña de reelección de Franklin D. Roosevelt. Aunque esta nueva película fue un éxito, no rompió los límites que Hubley y sus colaboradores esperaban. No fue hasta el tercer cortometraje, Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, que el estudio comenzó a producir cortos estilizados agresivamente en contraste con las películas de los otros estudios. La película de Cannon incluso realizaba un mensaje de tolerancia racial. En 1946, el estudio pasó a llamarse United Productions of America (UPA), y Hilberman y Schwartz vendieron sus acciones del estudio a Bosustow.
En 1948 UPA también encontró alianza con Columbia Pictures y comenzó a producir dibujos animados teatrales para el público en general, además de usar temas de propaganda y entrenamiento militar. UPA también ganó dos nominaciones al Premio de la Academia por nuevas caricaturas protagonizadas por Fauntleroy Fox y Crawford Crow (ambos personajes originales del estudio Screen Gems) durante sus primeros dos años en producción. A partir de ahí, los animadores de UPA comenzaron a producir una serie de dibujos animados que inmediatamente se destacaron entre los demás dibujos realistas. El éxito de la serie Mr. Magoo de UPA hizo que todos los demás estudios tomaran nota y, cuando Gerald McBoing-Boing, cortometraje de UPA, ganó un Premio de la Academia, el efecto en Hollywood fue inmediato y electrizante. El estilo de UPA era notablemente diferente de todos los demás dibujos de los otros estudios, y el público respondió al cambio que UPA ofrecía a partir de la repetición de las habituales batallas gato-ratón. Mr. Magoo continuaría siendo el personaje de dibujos animados más exitoso del estudio. Sin embargo, UPA sufriría un gran golpe después de que John Hubley fuera despedido del estudio en 1952, debido a sospechas de que tenía vínculos con el comunismo. Stephen Bosustow se hizo cargo del estudio, pero no tuvo tanto éxito como Hubley, y el estudio finalmente fue vendido a Henry Saperstein.
En 1953 UPA había ganado gran influencia dentro de la industria. Los estudios de dibujos animados de Hollywood gradualmente se alejaron de los dibujos con exuberantes y realistas detalles de la década de 1940 a un estilo de animación menos realista. En este momento, incluso Disney estaba tratando de imitar a UPA. Notándose en las producciones en animación Melody y Toot, Whistle, Plunk and Boom de 1953, en particular, fueron experimentos de estilización que siguieron los pasos del estudio recién formado.
Las últimas producciones de UPA incluyen los largometrajes 1001 Arabian Nights (1959), protagonizada por Mr. Magoo, y Gay Purr-ee (1962), con la de voz de Judy Garland, o la primera adaptación animada del cómic Dick Tracy. [58] En 1964, UPA decidió abandonar la animación y simplemente convertirse en una empresa de distribución.
En 1946 Republic Pictures incorporó la animación en su película Sioux City Sue. Resultó lo suficientemente bien como para que el estudio decidiera entrar en la competencia de dibujos animados y fundar su propio estudio de animación. Pese a su corta duración en el mercado de la animación, Republic Cartoons se hizo notable por realizar historias relacionadas con el lejano oeste; de misma forma que su distribuidora cinematográfica. [59]
Después de dejar Warner Bros. Cartoons, Inc. en 1946, Bob Clampett se marchó a Republic Cartoons y terminó dirigiendo una única caricatura para iniciar una nueva serie de dibujos animados, It's a Grand Old Nag (1947), protagonizado por el personaje Charlie Horse. Sin embargo, la administración de Republic Pictures estuvo endeudada debido a la disminución de las ganancias, y suspendió la serie. [60] [61] Republic Cartoons también hizo otra serie de dibujos animados en 1949 (esta vez sin Clampett) llamada Jerky Journeys, pero solo se hicieron cuatro caricaturas antes de que el estudio decidiera abandonar por completo el mercado de la animación. [62]
La animación en televisión se remonta, por lo menos, desde 1938 con la prueba experimental de ocho minutos de Chad Grothkopf con Willie the Worm, citada como la primera película animada creada para televisión, se exhibió en NBC. [63] Sin embargo, Jay Ward Productions, fundada en 1948, creó la primera serie animada específicamente para la televisión con Crusader Rabbit (1949). También fue la primera serie animada que utilizó la técnica de animación limitada (técnica equivalente a la animación Flash en la actualidad). [64] Esta serie animada inspiró a otros pequeños estudios de animación televisiva independientes para series animadas, como Adventures of Pow Wow, The Adventures of Paddy the Pelican, Bucky y Pepito (las tres de Sam Singer) Gumby (producida en stop-motion con arcilla), Courageous Cat y Minute Mouse de Bob Kane y Colonel Bleep (citada como la primera serie animada de televisión a todo color). [65] Muchas de estas producciones fueron criticadas por el uso de la animación limitada pese a gozar de un éxito popular moderado.
El concepto de una serie animada hecha para televisión provino del animador Alex Anderson, quien trabajó para Terrytoons. Terrytoons rechazó la serie propuesta por Anderson, y prefirió permanecer en la animación cinematográfica. En consecuencia, Anderson fue con Jay Ward para crear una alianza: Anderson estaba a cargo de la producción y Ward se encargaba de la financiación. Ward se convirtió en gerente y productor comercial, y se unió a Anderson para formar "Television Arts Productions" en 1947. Intentaron encontrar un distribuidor, presentada inicialmente como parte de una serie propuesta, The Comic Strips of Television, que presentó una versión inicial de Dudley Do-Right para la cadena de televisión NBC, con Jerry Fairbanks como el "productor supervisor" de la red. NBC no transmitió Crusader Rabbit en su red, pero permitió que Fairbanks vendiera la serie en sindicación nacional, con muchos afiliados de NBC, incluidos los de Nueva York y Los Ángeles, que lo recogen para las exhibiciones locales. No obstante, Jay Ward Productions permaneció centrada en la producción de esta serie animada (con 195 episodios) y no fue hasta 1959 cuando creó las primeras versiones de The Rocky and Bullwinkle Show; que empezarían a producirse con una animación limitada cada vez menos sofisticada a medida que comenzaba la década de los años 60.
De todos los estudios de animación televisiva, que surgieron durante la Era Dorada de la Televisión, sólo Hanna-Barbera logró tener éxito. Pese a las críticas que el estudio recibió por el uso de la animación limitada, en comparación con los cortometrajes animados teatrales que William Hanna y Joseph Barbera se dedicaban en MGM, sus series animadas tenían como principal objetivo imitar al cine de animación; de misma forma que las series de televisión de la misma época imitaban al cine de Hollywood. Esto se hace notable en sus primeras series animadas como: Ruff y Reddy, Huckleberry Hound (basado en Huckleberry Finn), Pixie, Dixie y el gato Jinks y Yakky Doodle (creando sus propias influencias de los personajes de Tom y Jerry de MGM Cartoon Studio) o Don Gato (en el que cada personaje se basa en una celebridad del cine y la televisión). [66] Estos dibujos animados también obtuvieron sus propios efectos sonoros con slapstick y permanecieron constreñidos a la forma clásica de dibujos animados teatrales de 6 minutos (aprox.). Hanna-Barbera también creó la primera serie animada de larga duración con Los Picapiedra en 1960, creando una versión futurista con Los Supersónicos en 1962, y formó una alianza con Columbia Pictures para distribuir sus dibujos animados; mediante Screen Gems en la televisión y los cortometrajes animados teatrales de Loopy De Loop (1959-1965) para el cine. [67] Cabe señalar que Hanna-Barbera también fue responsable de animar los créditos de apertura de exitosas series televisivas de la época como I Love Lucy o Bewitched. [68] [69]
Sin embargo, en 1959 y a principios de los años 60, empezaron a surgir nuevos estudios de animación para iniciar la competencia en animación televisiva, por ejemplo: Total Television Productions o Filmation. Estos estudios provocaron un alto rendimiento en producción de series animadas mediante el uso de la animación limitada; incluso más limitada todavía. [70] Para mediados de los años 60, la fama de los Saturday-morning cartoons se elevó y la mayoría de los estudios de animación estadounidenses se centraron exclusivamente en la televisión. Ya no importó que Hanna-Barbera realizara dibujos animados basados en el cine, como Laurel y Hardy, The Abbott and Costello Cartoon Show, Winsome Witch, Atom Ant, Wacky Races o Secret Squirrel, la industria de la animación había declinado con la excesiva explotación de la animación limitada y la orientación de los dibujos animados exclusivamente hacia un público infantil. Esto, junto a la censura aplicada a los dibujos animados, provocó que animadores como Ralph Bakshi, quien había trabajado en series animadas de Terrytoons para televisión, iniciaran un movimiento con la animación para adultos con una temática más obscena y atrevida que la de los anteriores dibujos animados. [71]
La década de los años 60 vio algunas chispas creativas en el medio cinematográfico, en particular de DePatie-Freleng Enterprises (DFE). Pese a no tener éxito con la producción de nuevos cortometrajes animados de los Looney Tunes y las Merrie Melodies, bajo contrato de Warner Bros., su primer y más exitoso proyecto fue animar los títulos iniciales de la película de 1963, The Pink Panther, protagonizada por Peter Sellers. La película y sus secuencias animadas tuvieron tanto éxito que United Artists encargó al estudio la producción de una serie de dibujos animados con el personaje la Pantera Rosa. El primer cortometraje, The Pink Phink (1964), ganó el Premio de la Academia de 1964. Junto a esta serie, el estudio también produjo otras exitosas series de dibujos animados como The Inspector (1965) y más tarde The Ant and the Aardvark (1969). No obstante, el departamento de animación de DFE, para realizar cortometrajes animados teatrales, fue deteriorándose por la competencia en la animación televisiva; hasta el punto de entrar también en este mismo campo mediante el uso de la técnica de animación limitada. [72]
La Pantera Rosa fue una contribución notable a la forma artística de la animación. Los principales directores de animación como Hawley Pratt, Gerry Chiniquy, Robert McKimson y Sid Marcus contribuyeron a un estilo distintivo, apoyado por el escritor John W. Dunn. La Pantera Rosa también permaneció constreñida a la forma clásica de dibujos animados teatrales de 6 minutos (aprox.), mientras que los contemporáneos se expandieron a historias más largas, como series animadas, hasta 30 minutos completos de transmisión televisiva. El historiador de animación Jerry Beck ha considerado a la Pantera Rosa como "el último gran personaje de dibujos animados de Hollywood" y, por lo tanto, de la era dorada de la animación estadounidense. [73]
Si bien, la gran parte del enfoque en una caricatura animada está en las imágenes, los talentos vocales y los puntajes sinfónicos que acompañan a las imágenes también son muy importantes para el éxito de las caricaturas. Atrajeron a actores de voz e impresionistas al cine y la animación. Mel Blanc dio voz a la mayoría de los personajes más populares de Warner Bros. Cartoons, Inc., incluidos Bugs Bunny, Porky Pig (a partir de 1937) o el Pato Lucas. Otras voces y personalidades del vodevil y la radio contribuyeron a la popularidad de las películas animadas en la Era Dorada. Algunos de estos actores (generalmente no acreditados) incluyen: Cliff Edwards; conocido como "Ukelele Ike", Arthur Q. Bryan, Mae Questel, Sara Berner, Stan Freberg, Bea Benaderet, Bill Thompson, Grace Stafford, Jim Backus, June Foray o Daws Butler.
Las caricaturas de esta época también incluyeron partituras musicales interpretadas por orquestas de estudio. Carl Stalling en Warner Bros. o Scott Bradleyes en MGM compusieron numerosas bandas sonoras de dibujos animados, creando material original e incorporando melodías familiares, clásicas y populares. Muchos de los primeros dibujos animados, especialmente los de la serie Silly Symphonies de Disney, fueron producidos alrededor de piezas clásicas. [74]
La exclusividad de la animación también dio como resultado el nacimiento de una industria hermana que se utilizaba casi exclusivamente para efectos especiales de películas: stop-motion. A pesar de sus similitudes, los personajes de stop-motion y animación a mano rara vez se unieron durante la Era Dorada de Hollywood. La animación stop-motion se elevó con el éxito de taquilla de la película King Kong, en la que el animador Willis O'Brien realizó las principales técnicas de animación stop-motion utilizadas durante los siguientes años 50. [75] El éxito de King Kong dio lugar a una serie de otras películas de efectos especiales, incluyendo Mighty Joe Young, que también fue animado por O'Brien y ayudó a comenzar las carreras de varios animadores, incluido Ray Harryhausen, que se hizo famoso en la década de los años 50. George Pal fue el único animador stop-motion en producir una serie de caricaturas animadas stop-motion para su estreno en cines, la serie Puppetoons para Paramount Pictures, algunas de las cuales fueron animadas por Ray Harryhausen. Posteriormente, Pal produjo varios largometrajes repletos de efectos especiales con acción en vivo. [76]
La animación stop-motion alcanzó el apogeo de su popularidad durante la década los años 50. La creciente popularidad de las películas de ciencia ficción condujo a un desarrollo exponencial en el campo de los efectos especiales, y George Pal se convirtió en el productor de varias películas populares con efectos especiales. Mientras tanto, el trabajo de Ray Harryhausen en películas como Earth vs. the Flying Saucers, The 7th Voyage of Sinbad o The Beast from 20,000 Fathoms atrajo grandes multitudes y alentó el desarrollo de efectos especiales "realistas" en las películas. Estos efectos usaban muchas de las mismas técnicas que la animación cel, pero aun así ambas técnicas no solían juntarse. [77]
Los efectos especiales de Hollywood continuaron desarrollándose de una manera que evitó en gran parte la animación de cel, aunque se incluye varias secuencias animadas memorables en largometrajes de acción en vivo de la época. La más famosa de ellas fue una escena de la película Anchors Aweigh, en la que el actor Gene Kelly bailaba con Jerry. Pero a excepción de casos ocasionales de este tipo, la única integración real de la animación de las películas de acción real vino en el desarrollo de créditos animados y secuencias de títulos. Los créditos iniciales de Saul Bass para las películas de Alfred Hitchcock (incluyendo Vertigo, North by Northwest o Psycho) son muy elogiados e inspiraron a varios imitadores. [78]
Los dibujos animados de este período, al igual que los de la era muda de la animación estadounidense, no eran considerados infantiles. Esto es debido a que muchos cortometrajes animados, como los Looney Tunes y las Merrie Melodies, mostraban el slapstick continuamente y en producciones más realistas, como los largometrajes de Disney, mostraban una temática más culta y seria. Además, durante la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría los estudios de animación pactaron con el gobierno para realizar propaganda antinazismo y anticomunismo, y realizando patriotismo estadounidense. Por ejemplo: Education for Death (1943) o Make Mine Freedom (1948). [79] [80]
Pese a que, debido a la mentalidad de la época, la gente afroamericana era caricaturizada estereotipadamente tanto en los dibujos animados, en el cómic, en el cine o en la televisión, las producciones de las eras Muda y Dorada solían criticar la esclavitud racista. Por ejemplo, Felix the Cat: Uncle Tom's Crabbin (1927) o Uncle Tom's Bungalow (1937). Irónicamente, apenas hubo quejas por parte de la gente afroamericana en estas caricaturas e incluso, en varias ocasiones, participaron en la producción musical de las mismas. Por ejemplo, en el cortometraje animado Tin Pan Alley Cats (1943) en el que participaron cantantes de jazz y blues de la época. [81] [82]
Otro dato, es la producción de tramas, tanto cómicas como dramáticas, con un tono más serio y orientado al público adulto, por ejemplo: Pluto's Judgement Day (1935) o Peace on Earth (1939). Además, del uso del dibujo erótico moderado por parte de personajes animados como Betty Boop o Red de Red Hot Riding Hood (1943).
No obstante, todos los dibujos animados eran considerados artísticamente de misma forma que el cine, la televisión, el cómic o la radio. En varios cortometrajes animados eran representados actores y cantantes de la época de Hollywood como: Chaplin, Laurel y Hardy, Abbott y Costello, Kate Smith o los Hermanos Marx, y se mostraban referencias al arte, por ejemplo: Have You Got Any Castles? (1938) o Hollywood Steps Out (1941).
La mayoría de estas tendencias, incluyendo la animación tradicional y el argumento, fueron recuperadas durante la era renacentista de la animación estadounidense desde 1986 hasta finales de la década de los años 90. Por ejemplo: en las series animadas como DuckTales, Chip 'n Dale Rescue Rangers, Bonkers, Tiny Toon Adventures, Animaniacs o Batman: The Animated Series, y en los largometrajes animados como los del Renacimiento de Disney o Don Bluth. Coincidiendo con el advenimiento de las películas anime del Studio Ghibli y las de animación digital de Pixar Animation Studios.
La película de 1988 ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? se esforzó por homenajear a este período. [83] Además, la animación de este período ha influenciado en grandes dibujantes y animadores de todo el mundo como: Arturo Moreno, Paul Grimault o Hans Fischerkoesen en la animación Europea (Garbancito de la Mancha, Le Roi et l'Oiseau o Verwitterte Melodie), [84] [85] [86] Osamu Tezuka en el manga y el anime (Astro Boy o Kimba), [87] Shigeru Miyamoto en los videojuegos (Super Mario) [88] [89] o José Sanchis Grau en el tebeo (Pumby). [90] También, existen videojuegos que han rendido homenaje a los primeros años de este período como: Kingdom Hearts, Epic Mickey o Cuphead, [91][92] e incluso en series animadas como: The Twisted Tales of Felix the Cat, The New Woody Woodpecker Show, Mickey Mouse Works o House of Mouse, y el juego de rol Toon: The Cartoon Roleplaying Game. [93] Aparte de que muchos personajes animados de este período consiguieron también fama en los cómics y en los videojuegos. En estos últimos notándose en videoconsolas de segunda, tercera, cuarta y quinta generación junto con los personajes de la era renacentista de la animación estadounidense. Por ejemplo: Popeye, Felix the Cat, Mickey Mania, Castle of Illusion Starring Mickey Mouse, Looney Tunes Collector: Martian Alert!, Donald Duck: Goin' Quackers o Disney's Villains' Revenge. Tanto el campo de la animación estadounidense como el de los videojuegos fueron beneficiados en sus respectivos renacimientos en los años 80 y 90. [94]
Los historiadores de arte y animación consideran la era dorada de la animación estadounidense como el mayor período que haya tenido la animación estadounidense hasta la fecha, tanto artísticamente como culturalmente; de misma forma que con otros períodos de diferentes medios vinculados: la Era Dorada de Hollywood, la Era Dorada de la Radio, la Era Dorada de la Televisión y la Edad de Oro de los comic-books. Esto se demuestra en las posiciones en las que fueron elegidos los cortometrajes y largometrajes animados en el libro The 50 Greatest Cartoons de Jerry Beck, [95] y en las listas de películas estadounidenses del National Film Registry, de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, [96] y de AFI's 10 Top 10, publicada por American Film Institute. [97]
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